【清乐】①清商乐的简称。古代汉族的民间音乐。如汉代的相和歌。包括平调、清调、瑟调（即宫调、商调、角调在当时的俗称）的歌曲，因称“清商三调”，简称“清商”。晋代播迁，声伎分散，其在南朝发展为江南吴歌、荆楚西声；北朝后魏孝文帝采集中原旧曲及吴歌、新声，总称之为“清商乐”。隋初有七部乐，其二为清商伎，由太常寺置清商署掌管之。炀帝设九部乐，乃改称清乐，列为九部之首。唐初沿隋制，太宗设十部乐，其中都有清商伎。②宋代瓦舍中流行的一种民间合奏器乐。据南宋耐得翁《都城纪胜·瓦舍众伎》条载：“清乐比马后乐加方响、笙、笛。用小提鼓，其声亦轻细也。淳熙间（1174——1189）德寿宫龙笛色四十名，每中秋或月夜，令独奏龙笛，声闻于人间，真清乐也。”

【胡乐】胡乐从西凉、南诏一带传入，含有西凉乐等成分，当时称“胡部新声”。以琵琶、五弦、筝、箜篌、笛、方响、拍板等为主要乐器，亦击小鼓、钹子。有歌、亦有舞伎。见唐人段安节《乐府杂录》。 【诸宫调】宋金元时期说唱艺术的一种。是运用歌曲来咏唱长篇故事，说唱相间，以唱为主的说唱形式。其音乐是用多种宫调及其多种曲牌联套演唱故事的，所以取名诸宫调。又因主要伴奏乐器是琵琶，所以又叫“搊弹词”。例如董解元《西厢记诸宫调》“长亭送别”中[黄吕宫·出队子]、[尾]，接着是[仙吕调·点绛唇缠令]、[瑞莲儿]、[风吹荷叶]、[尾]。共有两宫六曲。这种说唱艺术是北宋神宗时艺人孔三传首创的。现存作品有金人无名氏《刘知远》的残篇、董解元《西厢记》，元人王伯成《天宝遗事》残篇辑本。诸宫调体制宏大，曲调丰富，对元杂剧的形成颇有影响。 【太常寺】封建社会中掌管礼乐的最高行政机关，秦时称奉常。汉景帝六年 (公元前151年)改称太常(《汉书·百官公卿表》)。汉以后改称太常寺、太常礼乐官等。《隋书·百官志》：“太常，掌陵庙群祀，礼乐仪制，天文术数衣冠之属。’历代大体相同。太常的主管官员称太常卿。太常卿下属职官与音乐密切相关的为太常博士，协律都尉(校尉)，太乐署的令、丞，以及汉以后建置的鼓吹署令、丞，清商署（部）的令或丞等。与礼乐仪制有关的官员为太常博士，或称太乐祭酒、太乐博士。兼及乐制和历算的官员。视地位高低称协律都尉（校尉）、协律中郎将、协律郎、雅乐部、钟律令、钟律郎等。其中的协律都尉、钟律令常常就是太乐令。 【教坊】古代管理宫廷音乐的官署。唐代武德年间(618—一626)开始有内教坊，隶属太常寺。武则天时改名“云韶府’，后又复名。开元二年(714)以后，已有教坊五处：内教坊在宫廷里，外教坊四处，其中两处在首都长安，另外两处在东都洛阳，直属宫廷，由宫廷里面派遣中官为教坊使。教坊专管雅乐以外的音乐，歌唱、舞蹈、百戏的教习、排练，演出等事务；教坊所担任的业务有歌，有舞，也有“散乐”；其成员有男有女。女艺人中间依色艺的高低分成等级。被选去的美丽的民间女子要学弹奏琵琶、三弦，箜篌，筝等器乐技术，也学习歌舞，这样的女艺人被称为“搊弹家’。教坊中的一般女艺人被称为“官人’。最高级的女艺人属于宜春院，因为她们经常在皇宫表演，所以又称为“内人”或“前头人”。宋元两代也设有教坊。明代有教坊司，隶属守礼部。沿至清代，至雍正时始废。 【雅乐】古代帝王祭祀天地、祖先及朝贺、宴享等大典时所用的乐舞。周代雅乐是指“六舞”(云门、咸池、大磬、大夏、大濩、大武，前四种属文舞，后两种属武舞)。以后历代统治者都把这奉为乐舞的最高典范，认为它的音乐“中正和平”，歌词“典雅纯正”，故称之为“雅乐”。各个朝代均循礼作乐，歌功颂德，此类乐舞统称为“雅乐”。 【霓裳羽衣曲】简称《霓裳》，是唐代大曲中法曲的精品，唐歌舞的集大成之作，直到现在，它仍无愧于音乐舞蹈史上的一个璀灿的明珠。 　　此曲约成于公元718～720年间，关于它的来历，则有三种说法： 　　一是说玄宗登三乡驿，望见女儿山（传说中的仙山），触发灵感而作； 　　第二种说法则是根据《唐会要》记载：天宝十三年，唐玄宗以太常刻石方式，更改了一些西域传入的乐曲，此曲就是根据《婆罗门曲》改编； 　　第三种则折衷前两种说法，认为此曲前部分（散序）是玄宗望见女儿山后悠然神往，回宫后根据幻想而作；后部分（歌和破）则是他吸收河西节度使杨敬述进献的印度《婆罗门曲》的音调而成。 　　《霓裳羽衣曲》在开元、天宝年间曾盛行一时，天宝乱后，宫廷就没有再演出了。 　　五代时，南唐后主李煜和昭惠后曾一度整理排演，但那时宫廷传存的乐谱己经残缺不全。

--田颖拓 （吉林大学应用技术学院）
　　本文稿是我研究现代艺术设计与传统文化之间关系，以及不同国家、不同地域的传统文化对不同国家、不同地域的现代艺术设计的影响，逐步产生并且积累起来的一些想法，这些想法使我感到，在所谓现代文化趋同和传统文化危机论的全球化大背景下，我们的现代艺术 设计，到底还以什么为支撑？为什么我们要满世界地寻找最具民族特征、地方特色的艺术设计珍品？为什么美国人对我们自己津津乐道的上海浦东栉比鳞次的建筑群，仅仅给了一个“象纽约曼哈顿”的评价而不屑一顾？为什么外国的学者对我们自己常常忽略的传统文化与艺术如此流连往返……所以着一切，都与人们对传统文化的依赖有关。于是，我开始徜徉在历史与今天、传统与现代之间，找寻着它们与生俱来的天缘关系。
　　我将自己的研究和结论，借《设计在线》一方宝地发表，以求与更多于此感兴趣的同仁们进行探讨。文稿拟分为五个部分，陆续发表。文稿原本配有相应的插图，以求读者诸公对传统文化现代艺术设计有更直观的解读，这里只发表文稿的文本部分，请大家见谅。文稿分部如下：
第一部分：导言：我们生活在传统文化构筑的世界里
第二部分：　一：欧洲传统文化与现代设计
第三部分：　二：美国传统文化与现代设计
第四部分：　三：中国传统文化与现代设计
第五部分：结论：传统文化将继续影响着世界发展
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导言：我们生活在传统文化构筑的世界里
设计，是文化艺术与科学技术结合的产物，而艺术与科技，又同属于广义的文化范畴。文化是人类社会历史实践过程中所创造的物质文明与精神文明的总和，具有不可逆的传承性。虽然一代又一代的艺术家与设计师，总是企图摆脱传统文化的阴影，创造属于他们自己的艺术里程碑，但传统文化还是如影随形，到处可见。因此，我们可以说，任何传统文化，都必然对艺术与科技的发展，产生非常深刻的影响，并且通过艺术与科技，或者直接，或者间接，都对现代设计产生连带的巨大影响。
什么叫传统文化？我们要有新的概念，人类昨天社会实践活动所创造的一切文明成果，对于今天而言，都是传统文化；今天人类社会实践活动所创造的文明成果，对于明天而言，也是传统文化。所以，我们不能一提传统文化，就联想到落后。事实上，人类在创造文化的过程中，早已经把那些落后的糟粕淘汰；被保留下来的，对今天和明天能够产生巨大影响的，那的确都是人类文化的精华。中国的仰韶文化距离今天已经是7000—5000年的事情了，其彩陶图案丰富多彩，有鱼纹、鸟纹和蛙纹等多种逼真的动物形态。你能说它落后吗？古埃及文化，距离今天怕也有5000多年的历史了，我们今天不还是叹为观止吗？
所以，中国著名画家黄永玉先生就说：“6000年前的仰韶彩陶，给我们留下了那么多高超的造型艺术作品——陶罐，有什么人敢于大胆地说可以超越它，比它进步呢！”所以他又说：“科学的规律是进步的规律，艺术是越来越繁荣、越丰富，艺术不用进步的说话。”（《黄永玉谈艺录》）
其实，人类在自己的发展中，从来不曾把传统文化抛弃，在盗墓贼基础上发展起来的考古学，就足以说明人类对传统文化的青睐。中国古代大哲学家庄子，早在2000多年前，就对传统文化与现代文化之间的关系，做过非常生动的说明。庄子在《庄子·外物》里讲过这样一个故事——
中国儒家弟子，表面上诗书礼乐，仁义得很，风雅得很，但背地里却干着挖坟掘墓，偷珠盗宝的事情。某天夜里，孔子领着自己的学生去盗墓。孔子在上面望风，学生在下面盗墓找宝。天快亮的时候，学生在下面还没有盗窃完毕。孔子有些着急，就在上面说：“太阳快升起来了，事情进行得怎么样？”学生在墓下说：“下裙和内衣还没有解开，口里含着一颗宝珠还没有抠出来。古诗上就说：青青的麦苗，长在山坡上。生前不愿周济别人，死了怎么还含着宝珠！”孔子一听说死者口中有宝珠，就急不可待地说：“衣服先不要管，先抠宝珠要紧。你挤压他的两鬓，按着他的胡须，再用锤子敲打他的下巴，慢慢地分开他的两颊，然后再把宝珠取出来。要轻轻地来，不要损坏了口中的宝珠！”
庄子讲的这个寓言故事，是为了讽刺孔孟的儒家，说他们的学说，不过是从古人嘴里抠出来的口水，但也说清了人类文化之间的传承关系。其实，我们今天的许多知识，都是从古人嘴里抠出来的口水。我们从今天所谓的现代艺术、现代设计之中，也常常看到传统文化的影子。
现代设计，我们今天所承认的，大体上起源于西方的工业革命，那是18世纪的事情，现代设计作为工业革命的响应，开始走上历史舞台。而后，作为一种文化运动，并且对今天仍然有着极强理论指导意义，或者实践影响作用的，则是20世纪初期以来的现代主义设计运动。
20世纪初期，是人类历史上一个动荡不安，但又激动人心的时代，工业革命的直接成果——大量发明出来的新工业产品，包括飞机、汽车、远洋轮船、电灯、电话、电报等等，对于新艺术风格和新设计方法的诞生，都产生了相当积极的影响；对于现代艺术与设计的新探索和思想上的解放，更是一个重要的影响因素，这是科学技术对艺术与设计的推动力，也是对人类思想解放的反作用。那时，社会的大动荡、大分化、大改组，直接促进了新艺术风格和新设计方法的产生。荷兰的风格派、俄罗斯的构成派、意大利的未来派……对于现代艺术与设计的发展，功不可没；斯堪的维亚的阿尔托（Alvar Aalto）设计、美国的流线型设计……推波助澜，使现代设计运动朝着艺术与科技紧密结合的方向前进；瑞士的柯布西埃（Le Corbusier），更是以他的《走向新建筑》，把现代主义设计运动推向了极至。柯布西埃是机械美学理论的奠基人，他强调机械的美，高度赞扬飞机、汽车和轮船等新科技结晶，认为这些产品的外形设计不受任何传统式样的约束，完全是按照新的功能要求而设计成的，它们只受到经济因素的约束，因而，更加具有合理性。柯布西埃说：“……在近50年中，钢铁与混凝土已经占统治地位，这说明结构本身具有巨大的能力，对建筑艺术家来说，建筑设计中老的经典已经被推翻，如果要与过去挑战，我们应该认识到，历史上的过往样式对我们来说已经不复存在，一个属于我们自己时代的新的设计样式已经兴起，这就是革命。”
柯布西埃的这种说法，充分表明，处于工业革命高潮之中的艺术家与设计师，面对新材料、新工艺、新技术，是那样按耐不住心中的冲动，尽管那冲动多少有些失去理智。的确，建筑革命促发了新建筑的出现，而新建筑运动又与现代主义运动一脉相通，它正以日新月异的速度，改变着欧洲延续了数千年的砖石建筑。于是，到了1851年，伦敦世界博览会的“水晶宫”，就成了世界新建筑运动与现代主义运动的里程碑，从此，建筑界开始走向新材料、新工艺、新设计的建筑方法，各种建筑流派不断涌现。被称为“现代建筑三大支柱”的新建筑发起者，德国的沃尔特·格罗披乌斯（Walter Gropius）、米斯·凡德洛（Ludwig Mies Van der Rohe）、瑞士的勒·柯布西埃（Le Corbusier）在理论和实践上，全面奠定了现代主义的设计基础。
但是，在激情燃烧的现代主义艺术与设计运动中，也有对传统文化的回顾和阐扬。德国弗兰兹·萨雷斯·玛雅在他的《装饰艺术手册》（Handbook of Ornament，1883年）中，就对装饰的分类，表现了历史主义和传统文化与艺术的偏爱。这本书曾经被翻译成数种文字，在世界上许多国家出版发行，并反复再版，被公认是装饰艺术的经典名著之一，深受艺术家、设计师和广大制造商的欢迎。该书的畅销，就充分说明，即使是最前卫的艺术家和设计师，也认为传统文化与艺术对于现代设计来说，是必不可少的。因为传统文化与艺术，给我们带来了古埃及、古希腊—罗马、中世纪、文艺复兴、王权中心时代的文化与艺术信息。显然，它们不但为我们提供了直接的设计资料，更可以激发我们的创造灵感。
诚然，由于工业革命席卷了整个西方世界，技术革命激发起来的新思潮，使投身现代设计运动的人不计其数，但是，如果我们回眸这场至今未果的现代设计运动，便会发现，无论是理论上，还是实践中，真正对我们今天的设计文化产生全方位巨大影响的，当属德国的包豪斯（Bauhaus）。包豪斯对现代设计影响之深远，不仅大大超过了它的创始人沃尔特·格罗披乌斯，而且也远远超出了它的国界——从德国走向欧洲，从欧洲走向世界。以至于在包豪斯的故事发生七十二年后，即1991年，重新向人们讲述包豪斯故事的英国人弗兰克·惠特福德（Flank whitford），在他的《BAUHAUS》一书的前言里就写道：“很显然，包豪斯的影响至今依然存在。”“设计我们生活环境的那些人，还是继续从包豪斯的作品当中汲取着灵感。而在遍布世界各地的许多艺术院校里，包豪斯的艺术教育方法依然普遍地影响着它们现在的教学。”
事实上，我们对包豪斯的眷恋，就已经无可辩驳地证明了一点——进入信息时代的我们，不曾把传统文化与艺术丢掉，甚至还到传统文化与艺术中找寻能够激发，或者指导我们今天艺术与设计活动的东西。其实，这种不废传统文化与艺术的思想，正是包豪斯一以贯之的文化精神。譬如，包豪斯的创始人格罗披乌斯，主张艺术与技术统一，实践能力与理论素养并重；强调设计目的是人而不是产品等等思想，就是源于古希腊—罗马文化与艺术精神。现代设计讲的“以人为本”，就是古希腊哲学强调的“人本主义”，更是源于中国古典哲学——老庄的“天人合一”、“以人为贵”的思想；艺术与技术的统一，实践与理论的结合，更是古希腊—罗马文化与艺术唯美、求实、创新精神的体现。包豪斯这种立校精神，的确为现代主义运动开了传统文化艺术与现代科学技术融合的先河。
由此可见，受着现代艺术与现代科技双重制约的现代设计，无论怎样的发展，都无法脱离传统文化对它的深刻影响。也就是说，具有民族性、地域性、社会性和历史性的传统文化，不但无时不刻地影响着现代艺术运动，而且也直接影响着现代设计运动。
在欧洲，我们看到，积淀了数千年的欧洲文化，对现代设计产生的影响，并不亚于对现代艺术的影响，它的标志性参照物就是伦敦的水晶宫、巴黎的埃菲尔铁塔和著名的香榭里舍大道。“香榭里舍”，即“乐园”的意思，是从上古的爱琴文明引申出来的，曾经为爱琴文明做出过贡献，创造了克里特文化（Crete）的克里特岛人，把自己的生命视作一次快乐的机会，把埋葬自己的墓地，或死亡时举行的超生仪式叫做“香榭里舍”。巴黎人直接把它当作自己城市的街名，本身就是对传统文化的传承。漫步在香榭里舍大道，你可以感受到古典与现代、豪华与气派、高雅与华美、显贵与朴实、喧嚣与幽静、人文与自然的魅力。在欧洲，巴黎算是它的城市文化与艺术的形象代表，在巴黎，目不暇接的各种艺术展览、服装设计大赛、五花八门的艺术节……使人们随时感受到现代社会的物质文明；尽情领略到传统文化与艺术的精神面貌。
在美国，虽然没有象欧洲那样厚重的文化积淀，但是，殖民文化、移民文化，统而言之的商业文化，对于现代设计的影响，也随处可见。对于土著文化与艺术的探索，也在逐渐拂拭着殖民主义时代给美洲大陆带来的身心创伤。在那里，标志性参照物就是纽约的曼哈顿，那里有远渡大西洋、在纽约落户的自由女神像；有高耸入云、成为纽约巨大精神支柱，体现美国价值观的世贸中心大厦，尽管它已经从地平线上消失。同时，我们也可以偶然见到，美国的艺术家和设计师，对印第安文化的追寻。正如旅美学者高小刚在他的《图腾柱下：北美印第安文化漫记》中描述的那样：印第安人的艺术在美国十分走红。博物馆轮流展出印第安人的文物；印第安艺术家承接政府和大公司的项目进而成为巨富；每一处新的印第安遗址的发现都会引起不小的轰动；电视台不时播放以印第安生活为内容的电视剧……现今，连一般的美国人都承认，不写印第安的历史，美国的历史就无从落笔；不谈印第安文化，美国当代文化就缺少根基。通过印第安文化在与现代工业文明的磨合演变史，美国人已经深刻体会到，古老原始文明与现代先进文明最终融合并共同发展，这才是人类共同追求目标。
在中国，虽然没有西方工业革命的经历，但是，勤奋好学的中国人，却早已积极主动地把现代设计思想、理论、方法引进中国，并且一直想以此——西方先进的科学技术——来振兴中华民族，圆百年近代史上中国人的强国之梦。这种现代科学技术与传统文化艺术结合的标志性参照物，就是20世纪20—30年代的南京中山陵；50年代的北京“十大建筑”；90年代的北京世纪坛；以及兴起于80年代，至今还方兴未艾，可圈可点的全国性“城市开发热”。
西方文化与艺术，乘着中国改革开放的东风，进入中国已经二十多年了，两种文化的碰撞，反映在艺术上，是激烈的，其激烈程度，并不亚于欧亚板块碰撞引起的造山运动。事实上，两种文化的碰撞，早在帝国主义列强用炮舰打开中国的大门时，就已经开始了。引进先进的科学技术，甚或直接采取鲁迅先生的“拿来主义”，似乎都无大碍，也并不会引起激烈的争论，但是，对于艺术——现代设计的另一层面文化，就不那么简单了。在艺术与设计界，我们常常听到有关两种文化与艺术碰撞引发的争论。这种争论，也常常影响到艺术与设计的实践。因此有必要深入探索中西文化碰撞下的现代设计，藉此找寻出一条中西文化与艺术融合影响下的、现代设计的正确之路。
传统文化之对于现代社会的影响，我们是随时都能够见得到的。譬如欧洲的“海洋文化”论，就一直影响着西方列强的扩张心态，军事扩张、经济扩张、政治扩张、文化扩张……无所不在的扩张。演变到今天，扩张就变成了所谓的“全球化”文本。全球化，实质上就是西方传统文化影响下的产物。由此可见，传统文化对于艺术与设计的影响，同样是不可避免的。我们在上面的个案分析中，已经清晰地看到，传统文化对现代艺术与设计的影响十分深刻，所谓的“前卫”艺术家们，也到传统文化与艺术中寻找创造的灵感，甚至常常直接把前人的艺术成果改头换面成自己的创造。
艺术是需要不断创新的，但是，我们也决不能因为要创新，要“前无古人，后无来者”，对传统文化一概加以否定。创新，对传统文化与艺术而言，是扬弃，不是否定！如果割裂了传统文化与现代艺术设计的联系，那么，现代艺术与设计也将黯然失色，甚至会自我窒息而亡。这不是耸人听闻，也不是庸人自扰，而是历史教训。欧洲“黑暗的中世纪”，就是对传统文化的反动，其结果使欧洲文化自我窒息而亡。最后，只能掀起一场广泛深刻的文艺复兴运动，使欧洲文化死而后生，促进了欧洲资本主义的诞生和发展。
我们在历史的长河中，常常见到这样一种现象，凡是生命力旺盛而又持久的文化——不论是外来侵略，还是自然延续——都是对原有历史文化取积极传承和阐扬态度的文化，譬如古希腊文化之对于古埃及文化和两河文化；罗马文化之对于古希腊文化，欧洲文艺复兴之对于古希腊—罗马文化；中华民族文化数千年之自立于世界文化之林……其原因很简单，因为我们总是生活在传统文化构筑的世界里。正如恩格斯在论述原始社会阶段在人类历史中具有的重大意义时所说的：“这个‘太古时代’在一切情况之下，对于所有未来世代来说，总还是一个非常有趣的时代，……因为它的出发点是人从动物界分离出来，而它的内容则是克服将来集体的人们所永远不会再遇到的那些困难。”（恩格斯《反杜林论》）

这里所说的设计作品，包括了效果图和平面设计作品。在业内，有一些人主导以表现为主，认为图画得好不好是最关键的，而另一些人则认为画得好，不好做得好。当一份设计好的作品放置在眼前时，那么我们究竟去看呢。
首先要从设计方面去看：
　1.布局是否合理。
　2.是否符合人体工程学，交通线设置是否合理。
　3.用色是否符合色彩学原理。
　4.用色是否符合色彩心理学原理。
　5.设计风格是否统一，设计造型是否配合。
　6.人工照明设置是否合理。
　7.自然采光是否优化。
　8.材料使用是否符合现实要求，配搭是否合理。
　9.个体设计是否具有技术上的可实施性。
　10.设计是否在真实的预算范围。
　11.设计是否符合现行的技术规范与安全规范。
　12.设计个体的关系、尺度的把握是否合理。
　13.兴趣中心的营造。
　14.设计元素的应用。
　15.设计的创造性。
　如果是手工图，还需要看表现技法是否成熟。
　如果是电脑图，还需要看图像表现是否☆真拟实。
从上面的几点来看，又有一个问题，那就是普通业主本身并不具体按照上面理论来分析的能力，因为他们并不具备这方面的知识。难道仅能从漂不漂亮来看？
笔者的建议是这样的：
　1. 看图面大的配色是否顺眼。行内有一句俗话叫：和谐就是美。首先要从第一感觉来看。这是从大体上来说的，不管是不是内行，其实都会有自己的一种看法和审美观。
　2. 看真实度。很多设计师在画效果图时都会故意地调整一些尺寸来尽量地满足自己的图面需要。例如20平方的房子画成40平方的，层高2.6米画成3.5米的。而在平面图中，往往会把房子的框架面积和家具的比例采用不同的比例，这点犹其是发展商的图纸上最容易发生。而不幸的是这都是一种行内通病了。很多业主其实都看过无数次自己的房子了，这里面一眼就可以知道究竟家里有没有这么大，这么壮观的。
　3. 看设计是否满足自己的需要。一般你原先都会有一些自己的需要。例如你需要的柜子有没有，餐厅的餐桌大小的规划是否符合使用要求等等。
　4. 设计是否有创意。一个好的设计师，总会有画龙点睛之笔，在家装中，不是有很多的设计项目，所以一两个的纯装饰项目就能体现出很多东西出来。
　5. 设计是否对现有的环境有改进之处。你的房子都会有这样那样的天生缺陷，有一些是无可救药的，但有一些是可以改良的，这里就最能看过设计师的设计技巧了。
　6. 是否符合现实的意义。有一些设计图天马行空得有点脱离现实，这也是值得注意的，这就要根据实际的国情和环境来看了。
综上所述，如果你拥有一定的基础知识，上面的两类看图方法都是可以参考的，或者选择一种比较符合自己实际的办法

 日本的设计水平在世界是一个有独特魅力的。无论是在平面上还是在工业设计上都是整个世界的佼佼者。 　　日本的艺术既可能简朴，也可能繁复，既严肃又是怪诞，既有楚楚动人抽象的一面，又具有现实主义精神，这就是东西方交融，从日本的设计作品中似乎看到了一种静、虚、空灵的境界，更深深地感受到了一种东方式的抽象。 　　日本人是大和民族，大和民族是个忧患意识非常浓厚的民族。 　　北欧人认为设计是他们生活的组成部分，美国人以之为赚钱的工具，日本人则认为设计是民族生存的手段。由于日本是一个岛国，自然资源相对贫乏，出口电器便成了它的重要经济来源。此时，设计的优劣直接关系到国家的经济命脉，以致日本设计受到政府的关注。日本的设计从本世纪50年代开始起步，以其特有的民族性格使自己的设计变得十分强大。日本人是世界上最好的学生，他们能对国外有益的知识进行广泛的学习，并融汇贯通，最终成为己用。同时，日本民族的团体精神很强，使企业内部的力量比较容易得以完全集中。日本的传统中有两个因素使它的设计没走弯路：一个是少而精的简约风格，另一个是在生活中他们形成了以榻榻米为标准的模数体系，这令他们很快就接受了从德国引入的模数概念。空间狭小使日本民族喜爱小型化、标准化、多功能化的产品，这恰恰符合国际市场的需求，导致出现日本的电器产品引导世界潮流、横扫世界市场的态势。 　　比如他们把套在木桶外面的箍夸张加大，让它既是功能构件又是装饰构件，称之为“装饰性的使用结构部件”。北欧的木制、藤制家具形制性和个性的关系已经成为各个国家的设计师共同面临的棘手问题。 　　又比如国际主义风格的产品可以批量生产，并且价格低廉，适合广大民众的需求．仅它在设计过程中牺牲了民族性、地方性、个性，一心追求共性。现在是工业化向信息化转型的一个过渡阶段，从长远利益来看，产品必须有个性才能在激烈的市场竞争之中中牢地占有一席之地。在设计中，从国家、地区的实际情况出发，把民族审美情绪同现代设计的某些因震结合起来，形成独特的设计体系，是设计的一个发展趋向。在这方面，日本人做了一些有益的探索。 　　同时日本的工业设计得到如此完整的发展首先是日本的工业设计界非常注重实务，整个设计界都是和企业紧紧联系在一切的。绝大多数大型企业（大型企业占日本全部企业约5%）都拥有庞大的产品开发部门，在工业设计方面投入大量资金。再有，日本设计界和社会的发展紧密贴合，JIDA的研究方向从一开始就紧贴国家形势，社会生活的变迁能够马上得到设计师的重视并形成探讨的课题，形成理论，立足点在于自己国家社会的特色，放眼世界的需求，而不是人云亦云，这样才能设计出真正符合本国人民需要，有本国特色又能面向世界的好产品。 　　在平面上日本也是散发出独特的魅力。 　　佐藤晃一就是双脚踏在日本文化的延长线上，继田中一光等老一代平面设计师之后走上设计舞台的新一代平面设计师。威廉?荷加斯在《美的分析》中说过："最好的色彩美有赖于多样性的、正确而且巧妙的统一。"佐藤晃一作品的色彩可以说大都具有这一品质，造成分离感和张力，具有戏剧性。在色彩、形体与光三者的关系中寻求平衡，既不完全归入西方古典的光线照射法，也不归入东方传统的几乎抛尽光源，只求色彩与体积的表现法，而是把装饰色彩、变形形体和折中了古典派与印象派的光表现在色渐变手法中融为一体。在色渐变的隐隐约约依然清晰肯定的形体、弱化了的明暗和相对强化了的色彩，构成了佐藤晃一作品的基本特征，三者融而合一，自然和谐，开出了一块融合东西方的新天地。 　　精神上，他是以日本传统的空灵虚无思想为根底，带有日本自古以来的清愁冷艳的色调，追求其中浮现的优美和冷艳的感情世界，创作风格是写生的同时又是抽象的，一方面继承着日本的王朝文学的美意识，同时伴着冷澈的感触。在日本的许多平面设计中你会感到好像雪花静静地飘落。没有同时代西洋设计作品中的那种暴力感，没有冲突与高潮，没有草野气，多是细致的、平静的抒情，以冷澈的笔触，平和的神情，冷淡中描绘了一个梦与现实分不开的世界。 　　日本设计师善于和本国的文化相结合，在许多的设计表现有很多跳跃的地方，象日本的一种短诗--俳句，语法、字句、节奏凝练而跳跃的含蓄，在没有着笔的空白处，会感到非常的魅力。那是纯日本、纯感性的世界，这种超越理智的艺术世界，无疑是直接继承了王朝文学的精神。设计师使用的语言、节奏和设计师在作品中所体现的章法节奏，应该是一致的，佐藤晃一也不例外。他的作品是用纯净的日本语法节奏构成的，没有那种努力而不通脱的翻译文本的腔调，西洋设计语法底子深藏不露。 　　日本的平面设计发展同时也跟日本的经济是分不开的。 　　70年代的日本，工业化高速发展，使得大批的各具特性的新素材诞生，素材的特性对艺术造型来说在任何时候都具有意义，素材的特征又使得相应的技术和技巧得以产生。印刷技术从活版开始转向胶版，使微妙色阶调的渐变表现成为可能，佐藤晃一的成名作《新音乐媒体》即产生于此时。 　 日本很多自称为大和民族的本土文化其实都是从中国流传过去的。而中国当代的设计为什么还不及日本呢?这的的确确是一个值得深思的问题。 　　日本文化早年直接受中国的影响，俳句亦可以说是中国古诗词中词的另一种演变形式。诗词表现首先重韵律，有平声和仄声之分，平声长仄声短，相辅相成，形成节奏，使语言有精神，节奏具有直接的感染力与说服力，倘若整句全是平声或全是仄声，节奏就乱了。在中国京剧表演中打单皮的若打错了节奏，台上翻跳的武生甚至会跌si，设计表现中其实也有如此的险境。 　　传统的中国画家们都把这片空白看作让人发挥想象的依据，中国的哲学就是强凋的万物变化不定。每当我在寻找这种契合点时，看到日本的设计作品，特别亲切，觉得自己找到了，找到有深刻理性的感性乍品。古代日本是自然崇拜。一千年前文化借鉴中包括佛教、汉字书写体系和中国唐朝的艺术和建筑。 　　中国的本土文化是什么?是儒学文化、五千年的封建文化，这些文化随着具体的事物通过视觉表现出来，如国画、书法、易经、禅学、五行八卦等等。民间有剪纸、泥塑、木版年画等，这就是一种文化。 　　香港的著名设计师靳埭强之所以走向成功，不仅因为他有一流的设计意识和头脑，也由于他在设计中加入了许多很中国化的东西，如中国古钱币、水墨文化、儒家文化，他很聪明，很懂得如何将浸淫五千年的中国文化加入一些现代的调味剂呈现出来。他就这样一步步地跨向了世纪一流平面设计大师的行列。 　　佐藤晃一的设计作品有着明显的民族风格。他不但继承了日本文化中肃静、悠远、清雅、柔和的民族风格，还将这种风格更近一步地推向完美和充实，提炼了日本文化中最精要的精神内涵。民族的才是世界的，佐藤晃一的设计作品以民族风格为中心，得到了国际设计界的认同。　dolcn.com 　　在从本土文化中汲取养料上，沈浩鹏先生非常欣赏佐藤晃一的作品，他的海报就像日本诗歌“俳句”一样，充满意境美。沈浩鹏说，在西方设计界，因为日本的成就已经在某种程度上形成了东方即日本的概念，殊不知日本文化来源于中国。中国的设计师面临的挑战更大。 　　福田繁雄是日本当代天才的平面设计家他总是弃旧图新，并系统地将各种创意、革新加以融会贯通。每一批作品都反映出他主观想象力的飞跃以及他控制和营造作品的匠心。他在看似荒谬的视觉形象中透射出一种理性的秩序感和连续性。福田繁雄既深谙日本传统，又掌握现代感知心理学。他的作品紧扣主题、富于幻想、令人着迷，同时又极其简洁，具有一种嬉戏般的幽默感，并善于用视幻觉来创造一种怪异的情趣。 　　我们就是要学习这些大师，解读他们的设计。 　　现代设计越来越认同本土化，本土化是对本土文化的认同，而不是对符号或图形的认同。探索本土文化的内涵，找出传统文化与自己个性的碰撞点，形成自己的设计风格，这才是设计本土化的精髓所在。日本设计的成功，不能不说是他们对于东方理念贯穿于设计作品中的成功。虽说大和民族的文化特色有华夏文明的遗留痕迹，而在人家的设计作品中，东方文化的“归一”性却比中国的设计师们吃得更透。日本设计大家福田繁雄先生曾经指出：“设计中不能有多余”。从这个观点中不难看出他的设计理念与中国传统美学讲究的“恰倒好处”有某一个共通的契合点。 　　日本的设计运用传统的理念，现代的元素和构成手法，走在了设计的前沿。这不能不值得中国的设计师学习和借鉴.

面对似是而非的论调

“中国没有设计。”“设计在中国没有希望。”“客户根本不懂设计。”“客户一定要把Logo和标题放大一点。”这些是我从事设计行业几年来听到过最多的几句话。这些话听起来顺理成章，然而转移责任好像是人的社会本能。如果说客户不懂设计，那么作为设计师的你知不知道如何做出好的设计。如果你知道如何做出好的设计，那么你有没有尝试改变与客户的关系与状态？安于现状抑或是怨天尤人是对自己的不负责与对平面设计职业的亵渎。

如果你是一个有天赋，有责任心，有理想的设计师，那么请继续看下去，希望下面的文字不会浪费你的时间。

定义：基础的基础

首先让我们来定义设计的概念，因为这是一切后续讨论的基础。我认为比较适用的定义是：赋予自然或社会中的资源或元素以新的秩序，从而来解决特定的问题。我不想用诸如“设计是人类区别动物的属性”这类未经实证的乱贴标签的话来强调设计的重要性。然而无庸讳言的是生活中到处存在着设计过程。你确定西藏自助游的路线或者是追求心仪已久的女孩过程都属于设计的范畴。你在利用你的时间资源，金钱资源，社会资源，赋予它们新的秩序结构来解决你的问题：如何用4500元在20天内游遍西藏主要景点，或者是如何让这个女孩在2006年底成为你第十三任女朋友，并且不被你现在第十二任女友知道。

继续探讨平面设计的定义：赋予视觉元素新的秩序，从而来解决特定的问题。视觉元素可以有点，线，面，图像，文字等等。平面设计中最常需要解决的问题是传达和劝服。想一想你为你们学院设计的招生宣传海报，为客户设计的宣传册，你都是在重复这一个过程，解决了传达招生信息和为客户的顾客提供集中的产品信息的问题。

前提＝开始前应提的问题

那么我们自然而然地会进步到下一个问题：如何做出好的平面设计。如果连你都不知道，如何去影响你的客户。然而这个问题将变得复杂，因为它牵涉到的变量和概念增多了。

前文已经提到平面设计中最常需要解决的问题是传达和劝服，这属于传播学的范畴。我们需要考察的是：


1.传播正确的信息：

良好的客户知道要传达给受众什么信息，是一个产品的卖点，集中的产品信息，还是一致的品牌形象，如果客户不了解要传达什么信息，只是隐约地知道有一个问题要解决，设计师就要引导和帮助客户完成这一点。你至少要让客户回答以下几个问题：
i.我们要传达什么信息？
ii.我们为什么要这样做？
iii.期望受众的反应是什么?

2.有效传播的过程：

有效的传播过程的四个基本条件，根据学者的研究以及我的个人经验是：
i.具有创新精神的；
ii.具有视觉美感的；
iii.信息组织结构清晰的；
iiii.已受众为导向的。

3.传播至正确的对象：

如何把信息传播到正确的对象牵涉到对受众的研究。没有一种固定的传播的模式可以到达所有的受众，就如同你设计的广告不可能吸引所有人群，一个外表酷的广告只能对自以为酷的人产生效果。受众的信息在大部分情况下应该由你的客户来提供，有的客户也许不能理解这些信息的重要性，设计师应该做的也是循循善诱。你至少要让客户回答以下几个问题：
i.谁是受众？
ii.他们的习惯，喜好，对事物的看法是什么？
iii.受众接触你要传达的信息的方式是什么？

4.传播所处的环境：

现有环境决定了受众理解信息的方式，众多的竞争对手使市场上充斥着视觉阻碍(Visual Clutter)，这是设计师的障碍，然而也是基础，因为人们倾向接受具有创新或者差别的，但不太出乎他的理解范围的东西。同样的，你至少要让客户回答以下几个问题：
i.谁是客户的竞争对手？他们是怎么做的？
ii.受众习惯接受的信息模式是怎样的？
iii.受众已经知道了些什么？

所以说，诸如Colex公司要做一本宣传册，要宣传一些新产品，每页配两张照片，封面要出现公司标志并出现公司厂房这样的设计需求。按照这样做出的设计解决不了任何特定的问题，也就不能达到产生一定利润的最终目标。

尝试改变客户

现代设计如果从包豪斯算起，不过一百年弱的时间，而人类的装饰活动至少已经存在了几千年，从这一点来看，客户很容易把设计认为是装饰活动的一种，是用来锦上添花的，而从目前的情况来看，完美地把设计融合到公司活动的每一个环节可以形成一个企业的核心竞争力。设计师扮演的角色应该是顾问或者是合作伙伴，而决不是出租车司机，客户让你怎么开你就怎么开，顾问或伙伴的作用却是帮助客户选择最合适的路线。

如果真的有一家Colex公司要求你设计一本宣传册，提出了如上文所述这样的设计需求，你应该如何去做？尝试改变客户，与他们建立平等的双向的信任的关系，也许是唯一的答案。

对于商业设计来说，你的客户一定是商人，他关心的是利益，当你有效地传达了信息，劝服了顾客，产生了销售的最终目的也就是为客户创造利益。这就是你和客户的唯一共同点，也是你和客户关系的切入点。如果客户要求你把公司标志放得大一点，你可以这样告诉他：现在标志的大小已经具有足够的辨识度，再增加尺寸会影响页面的视觉美观从而因为达不到特定受众的审美要求，从而使他们降低对你们的公司的评价，忽略你们的产品。

不要把客户当作只会随机说出是或否的机器，客户是理性的人（至少大部分是），追求利益的人。只是他们的思考方式与设计师不同，设计师必须学习以客户的商业的思考方式来与他们沟通，这是对双方非常有效的方式。

现实的问题

有的设计师抱怨自己没有机会接触到客户，其实在国内设计公司中，尤其是在中小型公司里直接接触客户的机会还是有的，抓紧每一个与客户沟通的机会，使他们学习，使他们改变。即使实在没有机会，你也可以用你自己的头脑去思考，如果你是客户经理，创意总监，美术指导，你会怎么做。通常的人是愿意和人沟通，学习的。如果你已经努力过，你的客户还是顽固地坚持错误的己见，那么他就不是好的客户，不配接受真正的设计。如果你的公司一直与这类客户合作，那么你的公司就不是一个真正做设计的公司。

如果你没有在学校中见过到类似的观点，请不要灰心，因为国外对此方面的研究也才进行了二三十年。中国目前的设计师的素质，设计教育的水平，设计界的状况离理想是有一定的差距的，但如果你已经看到这里，说明你是一个有天赋，有责任心，有理想的设计师，请记住，再深的井，也会有最强的青蛙跳出来。用一句很落俗套的话来结束本文吧：从我做起，从小做起，从身边做起。